Estetica kitsch-ului
Hermes
O fotografie a unui zeu grec stilizat al unui corp masculin ideal. O pereche de fotografi francezi au introdus puternic și conștient estetica atrăgătoare a kitsch-ului în iconosfera contemporană. Succesul lor a fost măsurat prin comenzi de portrete de la marii acestei lumi: Jean-Paul Gaultier, Paloma Picasso sau Marc Almond. Inspirația pentru compoziție a fost o pictură din secolul al XIX-lea realizată de un pictor francez academic Jules Delauney. Pierre și Gilles se angajează adesea într-un dialog cu arta veche, atât antică, cât și ulterioară. Cu toate acestea, își satură versiunile temelor clasice cu o doză maximă de erotism și poate chiar de perversiune.
Hermes, Pierre Commoy și Gilles Blanchard, 2001
Obiect de cult
Păstorul Parisului
Desmarais nu este un pictor foarte renumit, dar homosexualii canadieni consideră acest cult. Din acest motiv, conform cuvintelor comisarului expoziției de la Paris și, în același timp, a directorului muzeului - canadianul Guy Cogeval, el nu putea lipsi din acesta. Mai mult, atunci când a fost juxtapus cu Hermes al lui Pierre și Gilles, a devenit emblema sa vizuală. Astăzi arată perfect. Totuși, ceea ce este interesant, când a fost prezentat publicului pentru prima dată, s-a constatat că fundalul era foarte slab pictat, ceea ce a făcut ca întreaga compoziție să nu fie foarte bine evaluată. Prezintă Parisul ca un păstor nevinovat, care nu știe de originea sa regală și, în viitor, ca autor al războiului troian și al căderii Troiei sale natale.Această pictură trebuia să fie o dovadă a cunoașterii excelente a anatomiei, deoarece aceasta era ceea ce se aștepta de la tinerii studenți ai Academiei de Arte Frumoase. Și așa a fost, deși viitorul i-a dat noi contexte homosexuale.
The Shepherd Parys, Jean-Baptiste Frdric Desmarais, 1787
Anatomie mai presus de toate
Egalitatea înainte de moarte
Uneori în istoria artei există astfel de imagini care nu se pot încadra în nicio cutie. Acesta este și cazul acestei opere, care lovește cu naturalismul ei violent și neașteptat, anticipând apariția acestei tendințe în literatură și artă. Nu numai că, de fapt Bouguereau a fost un idealist și academician jurat în arta sa, iar această pictură este un accident ciudat la locul de muncă. Simțiți-vă că pictorul a vrut să arate ceva extrem de important, un fel de adevăr etern, desigur îmbrăcat în abilități academice: anatomia mai presus de toate! În același timp, istoria artei îl cunoaște pe strămoșul nobil al acestei producții, adică tabloul „Hristos mort” de Hans Holbein (pictat în anii 1521-1522), în fața căruia,Dostoievski era aproape de a-și pierde credința.
Egalitatea înainte de moarte, William Adolphe Bouguereau, 1848
Fermecat
Jason și Medea
Moreau era un pictor care voia să știe totul, să recreeze totul, să picteze totul el însuși. Pentru el, istoria artei era ca o carte deschisă care ar trebui folosită constant. A studiat realizările artiștilor din epocile trecute și a reușit să creeze lucrări de orice stil, dar, din fericire, a creat în propriul său, poate puțin cam ornamental și supraîncărcat de detalii, dar fără îndoială angajându-se întotdeauna în povestea povestită. În corpul hermafrodit al lui Jason, Moreau a combinat idealul nudurilor renascentiste cu realizările clasicismului din secolul al XIX-lea. Tânărul cu părul blond datora succesele sale mitice - runa obținută - vrăjilor din Medea, care era îndrăgostită de el. O puteți vedea în privirea ei afectuoasă și în gestul grijuliu al mâinii care se sprijină pe umărul lui.În acest moment, puteți vedea în continuare dragoste și armonie, dar în mitologia Medea rămâne un sinonim de răzbunare și pruncucidere.
Jason și Medea, Gustave Moreau, 1865
Ca o copie a naturii
Epoca bronzului
Această viziune perfectă asupra corpului masculin a fost prost primită de contemporani, deoarece a fost pur și simplu considerată o distribuție a unui model viu. În această lucrare tinerească, Rodin și-a dezvăluit măiestria absolută, stăpânirea completă a atelierului. Este greu de găsit un act de recunoaștere mai mare decât suspiciunea că este o copie a naturii și nu o compoziție a unui artist. În această lucrare, capacitatea umană de a recrea realitatea și-a atins plenitudinea absolută fără nici cea mai mică îndoială și, în cele din urmă, a eliberat sculptura de orice obligații față de arhitectură sau decor. În cele din urmă, sculptura și-a câștigat independența.
Epoca bronzului, Auguste Rodin, 1877
Stâlp al simbolismului
Roata norocului
Burne-Jones a fost unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai grupului de pictori englezi cunoscuți ca prerafaeliți. Această pictură este poate cea mai faimoasă lucrare a sa, reprodusă de mai multe ori și importantă pentru simbolismul care se ivea în Europa la acea vreme. De asemenea, este greu să găsești o prezentare mai elocventă decât aceasta. Averea a fost imaginată ca fiind oarbă, dar în Burne-Jones, deși are ochii deschiși, nu are nicio influență asupra cine va ieși pe roata norocului pe care îl învârte. Regii și alți puternici din această lume apar pentru o clipă și pier din nou, înecați. Tema antică servește din nou pentru a arăta nudurile masculine extraordinare inspirate de arta lui Michelangelo, interpretul de neegalat al anatomiei masculine. Burne-Jones este debitorul său neplătit.
Roata norocului, Edward Burne-Jones, 1877
